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　　在所有乐器中有一种乐器构造最复杂，音域最广。下面学习啦小编和大家一起去看看这个被誉为“乐器之王”的乐器，欢迎阅读。

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中国的乐器之王是什么

　　在所有乐器中有一种乐器构造最复杂，音域最广。下面学习啦小编和大家一起去看看这个被誉为“乐器之王”的乐器，欢迎阅读。

　　钢琴被誉为“乐器之王”

　　钢琴(意大利语：pianoforte)是西洋古典音乐中的一种键盘乐器，由88个琴键(52个白键，36个黑键)和金属弦音板组成。意大利人克利斯托弗利(Bartolomeo Cristofori，1655-1731)在1709年发明了钢琴。

　　钢琴音域范围从A2(27.5Hz)至 c5(4186Hz)，几乎囊括了乐音体系中的全部乐音,是除了管风琴以外音域最广的乐器。钢琴普遍用于独奏、重奏、伴奏等演出，作曲和排练音乐十分方便。演奏者通过按下键盘上的琴键，牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌，继而敲击钢丝弦发出声音。钢琴需定时的护理，来保证它的音色不变。

　　钢琴音阶：

　　音阶24个大小调是比较重要且有用的。很多大型奏鸣曲、乐曲、协奏曲都有很多地方有音阶，因此需要将音阶掌握好。弹音阶要注意的是让所有音发出来的声音都要一样，不能有轻有重，一定要注意手指的控制能力，如果弹音阶的时候还是有的重有的轻。

　　钢琴八度：

　　8度的演奏技巧有两种，第1个只用手腕技巧，第2个用手臂和手腕一起来完成。如果弹篇幅很长的8度片段就需要手腕技巧，如果弹最后结尾那一小部分8度就需要手臂的力量，这样才能弹出气势辉煌的效果。如果是两只手一样的8度片段，就需要手腕和手臂的配合使用，如果只用手腕或手臂就很难弹出ff的力度和很好的跳跃。

　　钢琴琶音：

　　琶音包括24个大小调琶音跟属7减7琶音。这个是建立在音阶之上的东西，主要练习手指之间的扩张和伸缩能力，也是很重要的练习。钢琴曲中琶音部分占很大一部分，各式各样的琶音都会出现，但都是24个大小调属7、减7和弦的琶音变形模式。

　　钢琴的用途：优秀的独奏乐器

　　几百年来，世界各国乃至我们中国的作曲家、钢琴家，几乎无一例外的都为钢琴创作了难以计数的协奏曲、奏鸣曲及各种类型的独奏曲和改编曲。在各种音乐作品中，为钢琴所写的作品应属最多。许多钢琴家就是通过自己的钢琴演奏，留下了无与伦比的不朽乐章，创造了一生的辉煌成就而留名后世的。

　　钢琴的用途：.良好的伴奏乐器

　　钢琴可以很方便的为各种形式的人声歌唱伴奏，也可以天衣无缝的为各种乐器的独奏做陪衬。钢琴从欧洲传入我国，曾被称为西洋乐器。它为西方的美声演唱以及各种西洋弦乐器、管乐器独奏提供伴奏，早已是传统形式。然而，在与我国的民族音乐甚至是戏曲音乐合作时，也同样能显得十分融合，并给作品增添了新的生命力。早在三十多年前，钢琴伴唱现代京剧这种形式就被搬上了舞台，成为音乐作品中“洋为中用”的一个成功范例。

　　钢琴的用途：作曲家的好助手

　　几乎所有的作曲家，在构思作品旋律、配置和声以及编配各种形式的乐队总谱时，都要在钢琴上试奏、试听，还可以通过钢琴表现和改编大型管弦乐曲。所以也常有人说，在一定意义上钢琴可以替代一支交响乐队。

　　钢琴的用途：音乐教学的最好教具

　　由于钢琴全面的性能，确定了它在音乐教学上的重要地位和使用价值。无论是学试唱、学练耳、学声乐、学器乐，还是学和声和作曲，钢琴作为各种音乐专业的必修课，在世界各国的音乐院校中都以成为惯例。

　　钢琴的用途：家庭中的“宠物”

　　钢琴作为儿童、学生、成人的练习用琴，被看作最好的乐器之一。随着我国日益增长的文化生活的需求，钢琴越来越多的步入了普通家庭。有的把它作为早期开发儿童智力的帮手;有的把它当作登上音乐颠峰的阶梯;有的把它当作老人退休后的伴侣;还有的把它作为家中的豪华陈设和文化氛围的象征。总之，购置一台钢琴在许多家庭已经不是一件难事，而且购买档次也在逐步提升。万元左右的国产琴一直销路很好，三万至五万元的进口琴也常被人们选中，甚至十万元左右的进口三角琴也不在无人问津。

　　钢琴名曲

　　舒曼——a小调钢琴协奏曲

　　肖邦——《幻想即兴曲》、《英雄波兰舞曲》、《夜曲》、《革命练习曲》

　　莫扎特——27首钢琴协奏曲

　　贝多芬——五首钢琴协奏曲(作品15、19、37、58、73)

　　李斯特——降E大调钢琴协奏曲，A大调钢琴协奏曲

　　格里格——a小调钢琴协奏曲、圣桑五首钢琴协奏曲

　　巴托克——钢琴协奏曲

　　帕海贝尔——《卡农》

　　拉赫玛尼诺夫——《意大利波尔卡》、《升c小调前奏曲》

　　钢琴的保养

　　购买了一架新钢琴，首先想到的是做一个布套。一般布套大多采用质地柔软的布料加工、布套的设计以既美观又方便为原则，出售钢琴的商店也有售。琴套的质地、款式、颜色要和钢琴及家庭的环境相协调。还可以在钢琴顶面盖一块网眼比较大的装饰布或白色网扣织物，女同志可以根据钢琴的尺寸和自己喜欢的图案自己设计制作。不可把包装钢琴用的塑料罩套在上面，或在钢琴上盖上一块塑料布。塑料布或罩子使空气不流通，琴底下的潮气进入琴体内，钢琴长期在这种情况下将会严重受潮，容易导致内部机件的不灵活，音色发闷，金属件生锈，外观油漆失去光泽，影响钢琴的使用的寿命。有的钢琴主人为了保护钢琴键子，特意做一块琴键罩布，罩布的质地一般都选用比较厚的毛织品，其实钢琴使用完都要盖上琴盖的，没有必要再放一块琴键罩布，而且弹好琴后键盘上都有一些手汗，盖上罩布后，罩布起到吸潮的作用，很少有人经常把罩布拿出去晒一晒，长期下去罩布的潮气势必会导致键孔呢受潮膨胀，键皮便容易开胶。

　　为了保证钢琴的漆膜光亮清洁，应经常用软布揩擦表面。如外表有人体脂肪的油印，汗水滴落在钢琴外壳的油漆面上，都会一定留下痕迹。如果当时没有清除，时间一久，形成斑斑污点。要清除油渍、汗边形成的污点，可用软布蘸上酒精或经过稀释的洗洁精，在琴面上擦拭后，再用干布擦净，然后在钢琴的外表涂上钢琴高级光亮剂，再用软布擦拭。通常可保持一段时间钢琴的外表不容易粘上油污及灰尘。切忌用丙酮、稀料(香蕉水)等化学剂擦拭。

　　钢琴上不要放置不必要的装饰品和杂物，以免杂物掉进钢琴，使机件发生故障。弹奏时，这些杂物还可能产生共振，影响弹奏。也不要把点燃的火柴头、烟头、热水杯放在钢琴上，以防烫坏油漆。当然更不能把盛有液体的容器直接放在琴上，一旦容器翻倒，致使液体流入琴内，内部机件膨胀，生锈，将给钢琴带来不必要的损失。

　　钢琴的击弦机系统等部件使用了许多全羊毛毡材料，为了防止蛀虫蛀坏呢毡，老鼠钻进琴内咬坏机件或在琴里做窝，必须在钢琴里放上樟脑丸之类的杀虫剂。将樟脑丸等杀虫剂装在小布袋里，分别挂在击弦机两边的铁架柱头上以及琴键与键盘底板之间，并定期更换。如果长期不使用，则应在琴内放足杀虫剂和干燥剂，将踏板孔堵上，并套上琴套，把钢琴放在通风条件、温湿度较为正常的地方保管。

　　如果钢琴弦轴钉和琴弦生了锈斑，有的人会往弦轴何和琴弦上涂抹凡士林或机油，如果油类从弦轴钉渗进弦轴孔内，就会给钢琴调音带来麻烦，严重的根本无法调音。琴弦上的油渍粘到了制音器音头上、小槌头上，不但会影响毛毡的颜色，而且制音效果和音色也将变坏。弦轴和弦上的油渍时间一长会粘上灰尘，这样既不美观，防锈的能力反而更差。如果遇到这种情况。弦轴部位的锈斑清理可用干布蘸上少许汽油和机油擦拭一遍，再用干布擦尽油渍。琴弦部分的轻微锈斑可用酒精调铅粉，以毡呢蘸上用劲擦拭，直到锈迹消失。

　　弹奏时，不能用手猛烈敲击琴键或用脚猛踩踏脚板，以免造成击弦机械损伤和踏脚弹簧断裂、不要用锐器刻画琴键和漆膜表面。在开闭琴盖时动作不要过猛，应首先合上书架，以免开闭琴盖时，琴键受损。钢琴使用完毕应将琴盖等全部关闭，并罩好琴套，防止灰尘的入侵。

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钢琴为什么能成为乐器之王

　　钢琴(意大利语:pianoforte)是西洋古典音乐中的一种键盘乐器，由88个琴键(52个白键，36个黑键)和金属弦音板组成。钢琴音域范围从A2(27.5Hz)至 c5(4186Hz)，几乎囊括了乐音体系中的全部乐音。钢琴普遍用于独奏、重奏、伴奏等演出，作曲和排练音乐十分方便。演奏者通过按下键盘上的琴键，牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌，继而敲击钢丝弦发出声音。钢琴需定时的护理，来保证它的音色不变。

　　你知道为什么说钢琴是乐器之王吗?下面就由小编来告诉大家吧!

　　首先，钢琴最主要的用途是来弹奏古典音乐的。古典音乐的曲式风格在技法上和和声体系上是比较复杂的。而其他的乐器，特别是民族类乐器在音区上范围太小。例如：古筝。只有1、2、3、5、6五个音。音域不够宽广。而钢琴的弹奏仅仅不只是限制于古典音乐。

　　纵观所有的钢琴曲或者是一些歌曲的伴奏，我们可以看出，民歌、通俗歌曲、另类的爵士、布鲁斯等风格的音乐都是可以用钢琴弹奏的。所以，这也是称它为“乐器之王”的原因。也就是可以演奏出世间大部分的音乐。另外钢琴的共鸣体大的特点，它比电声类乐器要好的是可以不用音箱设备。因为，我们知道，电吉他和电贝斯的演奏是一定要音箱的。

　　刚才从音乐分类上已经说明了钢琴演奏音乐的优势了，那么，在从音乐的情绪上分为抒情、活泼、欢快、激动的这些，用钢琴都是很容易表现出来的。而这些情绪换了其他乐器去演绎可能会比较难。

　　现代的社会随着科学技术的发展，又出现了电钢、电子琴这些。虽然他们不能算是真正意义上的钢琴。但也都是由钢琴衍生过来的。可以说，电钢和电子琴的普及更能说明键盘类乐器已经发展到无可小视。没有任何乐器能够代替的了。特别是合成器的出现。最主要的一点，就是这些乐器除了上述之外，还有一些庞大的功能，也就是可以模仿出其他乐器的音色和一些流行音乐的配器中的声部音色。这些是其他的乐器无法达到的。

　　1709年，意大利人克利斯托弗利把古钢琴和羽管键琴加以改良，采用一种新型的带小槌的键盘机械，以控制乐器的音色和音量，演奏效果显著提高，这就是最早的钢琴。钢琴总共有85或88个健，白键为C大调自然音阶，黑键是其变化音，也可能是其它调的自然音。钢琴音域宽广，音量宏大，音色变化丰富，演奏技巧复杂，表现力极强，可演奏各种不同风格、不同艺术要求的乐曲，所以被人们称为“乐器之王”。

　　德国作曲家贝多芬30岁左右的时候耳朵开始逐渐失聪。虽然不能再演奏音乐，但贝多芬仍然继续作曲。贝多芬耳聋以后谱写的音乐被认为是人类历史上最伟大的音乐。

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乐器口笛的简介

　　乐器口笛——中国竹笛家族中个子最小的一员，最早可追溯到7000~8000 年前的河南贾湖舞阳骨笛和浙江河姆渡骨哨，这类骨笛、骨哨大多采用动物的骨头制作而成。

　　乐器口笛的种类

　　梆笛：梆笛用于北方梆子戏的伴奏笛身细且短小，音色高亢明亮有力，着重于舌上技巧的运用在演奏上表现了浓厚的地方色彩，在气息运用上较猛，并采用了急促跳跃的舌打音，强有力的垛音，富有情趣的花舌音等等特殊技巧。梆笛善于表现刚健豪放、活泼轻快的情致，具有强烈的北方色彩，这和北方地区特点和生活、劳动习惯是分不开的。多用于北方的吹歌会、评剧和梆子戏曲(如秦腔、河北梆子、蒲剧等)的伴奏，也可用来独奏。

　　曲笛：曲笛用于南方昆曲等戏曲的伴奏，又叫“班笛”、“市笛”或“扎线(即缠丝)笛”，因盛产于苏州，故又有“苏笛”之称。多为C调或D调。

　　管身粗而长，音色淳厚、圆润、讲究运气的绵长，力度变化细致，常采用先放后收，一音三韵，悠扬委婉，演奏的曲调比较优美、精致、华丽，具有浓厚的江南韵味。音色润丽、清晰，音色控制、强弱对比自如，并多应用笛子上的“唤音”、“送音”、“打音”、“倚音”、“颤音”等技术，在气息运用上要求饱满均匀，尽量少用吐音断奏。曲笛在中国南方广泛流行，适宜独奏、合奏，是昆曲等戏曲音乐、江南丝竹，苏南吹打、潮州笛套锣鼓等地方音乐中富有特色的乐器之一。

　　笛是中国最具特色的吹奏乐器之一。1986年5月，在河南舞阳县贾湖村东新石器时代早期遗址中发掘出16支竖吹骨笛(用鸟禽肢骨制成)，根据测定距今已有8000余年历史。竖吹，音孔由五孔至八孔不等，其中以七音孔笛居多，具有与我们所熟悉的中国传统大致相同的音阶，骨笛音孔旁刻有等分符号，有些音孔旁还加打了小孔，与今天的中国音调完全一致,仍可用其吹奏民间乐曲《小白菜》。

　　乐器口笛的制作

　　1971 年初，笛子演奏家俞逊发受景颇族横吹乐器吐刃的启发，用制笛截下的短竹管制成。能吹(d1～d2)一个八度音阶，两年后正式登台演出，第一首演奏的曲子名《云雀》。后来，俞逊发又在上海民族乐器一厂王益良的协助下，研制成功了五孔口笛。

　　口笛构造简单，制作简便，多使用黄枯竹或小水竹制作，也可使用长茎竹、凤眼竹、紫竹或其他材料制作，以杆身圆直、竹质坚硬的为佳。

　　取一段短而细的竹管，体空，右端为第一孔，左端为第二孔，左、右端内径分别为10.5和11毫米，在距左、右端分别为23 和25 毫米处开一吹孔，即制成两孔口笛。

　　五孔口笛是在靠近两孔口笛吹孔的管壁上再开3 个音孔，五孔口笛，管长7 4 毫米，左、右端内径分别为9.5 和10 毫米，吹孔距左、右端分别为34.5 和39.5 毫米，第三、四、五孔，开在距吹孔外缘14 毫米的一条直线上。吹孔开成椭圆形，长径8 毫米，第三、四、五音孔为圆形，直径均为5 毫米。

　　乐器口笛的演奏

　　演奏口笛，左、右手拇指控制第二、一孔，左手食指按第三孔，右手中、食指按第四、五孔。音孔全按发出最低音，开一孔发上方纯四度音，开一、二孔为纯八度音，两拇指在音孔上移动发音。

　　演奏口笛，右、左手拇指控制第一、二孔，左手食指按第三孔，右手中指、食指按第四、五孔，以右手无名指和左手中指顶住笛身抵紧嘴唇，用左手无名指的指背托住笛身。音孔全按时发出最低音，开一孔发出上方纯四度音，开一、二孔为纯八度音，通过两个拇指在音孔上移动发音，一、二孔能分别发出四度以内的一系列音阶。

　　吹口笛时，嘴唇对准吹孔，角度接近水平，风门要小，唇肌要收紧，气流应细而急。运气也有特殊的要求，在整个吹奏过程中，腹部要紧收、不能松弛。同竹笛一样，口笛可以奏出各种嘴上技巧，尤其是演奏滑音比竹笛更为流畅圆滑。

　　G调两孔口笛，可奏出由d1～d2一个八度音;A调五孔口笛，可奏出由(g～C2)11度音，还可用全按笛孔、内转笛身、放松口劲和改变吹气角度等方法，吹出d、e、f3个音来，音域由d～C2，近两个八度。通过不同程度地开闭音孔和口劲的配合，还可奏出各音间的升降(半音)音来。

　　口笛音色明亮、高亢，近似哨音，穿透力强。特别适宜表现优美的旋律及活泼热烈的欢快曲调，并能生动形象地模仿百鸟争鸣和人声。在民族乐队中，常用它来演奏华彩乐段，可用于独奏、合奏或伴奏。此外还能参加西洋管弦乐队合奏，是具有独特效果的色彩性乐器。
 

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作曲家格里格是谁

　　格里格，挪威最杰出的作曲家，具有鲜明的民族风格，是浪漫主义音乐时期的重要作曲家，其作品以民族性著称。下面是学习啦小编搜集整理的作曲家格里格的简介，希望对你有帮助。

　　作曲家格里格的简介

　　爱德华·哈盖鲁普·格里格(挪威语：Edvard Hagerup Grieg ，1843年6月15日-1907年9月4日)，挪威作曲家，出生于卑尔根，祖先是苏格兰人。他具有民主主义、爱国主义思想倾向，作品大多以风俗生活、北欧民间传说、文学著作或自然景物为题材。代表作有《A小调钢琴协奏曲》、《培尔·金特组曲》、《霍尔堡组曲》和《钢琴抒情组曲》。他在挪威威望很高，柴可夫斯基、西贝柳斯、德彪西等都曾受到他的影响，1907年9月4日逝世，逝世后享受国葬。

　　格里格生于卑尔根，15岁时去德国莱比锡音乐学院学习。后去哥本哈根从加德为师。1864年结识了作曲家里夏德·诺德拉克后，共同从事研究挪威民间音乐的工作。1867年创办了挪威音乐学校，根据挪威诗词创作了具有独特风格的抒情歌曲，整理改编民间歌曲。其妻歌唱家尼娜是他作品最好的解释者。他能巧妙地将主题用古典结构形式和现实的传统音调紧密地结合在一起，从而使它与真正的民间音乐难以分辨。

　　作曲家格里格的音乐经历

　　格里格一生经历了挪威民族独立运动高涨的年代，具有进步的民主爱国思想。他沿着布尔、诺拉克等人开创的道路，努力钻研民间音乐，作曲家L.M.林德曼搜集出版的《挪威山区民间曲调》 《挪威民间叙事曲曲调》等集子，成为他创作的音调源泉。在创作实践中，他借鉴欧洲各国音乐传统，特别是19世纪以来浪漫主义音乐发展的成果，通过对民族历史的歌颂，对祖国大自然和民间生活的艺术感受，创作出具有挪威民族特色和浓厚乡土气息的音乐。

　　他的创作主要是钢琴抒情小品和声乐作品(包括百余首抒情独唱曲)。如歌曲《来自祖国》 (1894)，以淳朴的民间曲调，表达了对祖国真挚的感情，钢琴曲《祖国之歌》(1868)，以古挪威民间叙事歌的庄严风格，赞颂了民族历史的光荣，诗人比昂松特为此曲配上《前进!这是我们先辈们的战斗呼唤》的诗篇，借颂扬祖先的业绩，为现实的民族独立斗争呐喊。在合唱《水手之歌》 (1868)、 《乡土在望》 (1870)和许多民族题材的作品里，都以鲜明的民族情调表达了维护民族尊严和争取独立的愿望，适应了当时挪威历史发展的潮流，具有一定的历史进步意义。

　　在格里格的创作题材中，最突出的是以音乐表现了北国挪威壮丽、俊秀的自然风貌，农村山区的民间生活和童话传说中的奇幻形象。如以民间歌曲、舞曲为素材写的钢琴曲《挪威民间生活素描》 (1871)、 《挪威农民舞曲》 (1903)等，特别是最能代表他的创作特点的钢琴抒情小品(共66首，分别编为10集发表)。在这些作品里，通过民间音调和精雕细刻的艺术提炼，借景物抒情，把挪威的大自然和民间生活乃至神话世界，都描绘成一幅幅色彩瑰丽、风格质朴的音乐水彩画。其中，出色地再现了挪威民间节日和农村婚礼的欢乐场面，响彻着典型的挪威民间舞曲哈林、斯普林的热情奔放和活泼的旋律，艺术地模拟出西部峡湾地区民间提琴手拉奏的五度和弦音响和山区牧民的牧牛歌调，也生动地刻划了民间童话里山妖、风精、侏儒等奇幻形象。在民族风格的探索上(如民间乐汇、调式的运用、民族色彩性的和声配置、民间舞曲特定的节奏音型等)，都取得了丰富的经验。

　　在许多以个人精神生活为题材的抒情歌曲里，格里格表达了人生的悲欢离合之情，歌颂了爱情、母爱和友谊，为“消逝的日子”写过叹惜的哀调，为“孤独的流浪汉”唱出了同情的短歌。如在《我爱你》 (1864)、 《茅舍》 (1869)、 《游吟艺人之歌》 (1876) 《母亲的忧伤》 (1868)等形象单一并具有随笔性的浪漫抒情歌曲里，他着力于细腻的心理刻划和独具一格的艺术意境，笔调简洁，形象真切，渗透着强烈的挪威民族的浪漫主义感情色彩，具有动人的艺术魅力。

　　1874～1875年间，格里格为H.易卜生的幻想诗剧《培尔·金特》写过2段音乐，后来选出8首重新配器，分别编为两部管弦乐组曲，成为脍炙人口的世界名曲。戏剧原著采用挪威民间传说，通过青年农民彼尔所经历的光怪陆离的冒险生活(如战胜山魔、掠财致富、异国漫游等)，嘲讽了追求权力与金钱的私欲，讴歌了淳朴、自然的生活理想。格里格还为戏剧写了一系列充满诗情画意、色调丰富的配乐。如《晨景》中音乐如一股凉爽的清泉，在一片安谥的田园气氛中，衬托着太阳破云而出的晨曦美景，颤动着生机勃勃的大自然脉动; 《山魔的大厅》中那种狂暴粗野、咄咄逼人的音乐给人难忘的怪诞印象; 《奥塞之死》是彼尔在弥留的母亲床前的挽歌，忧伤的旋律如长眠前最后的呼吸和生命的慢慢衰亡;而《索尔维格之歌》则是全部配乐中的杰作，它以晶莹透彻婀娜多姿的民歌风格，刻划了索尔维格温顺、纯洁的性格和心灵。此外，在一些充满异国情调的音乐片断里，如具有典型东方特色的《阿拉伯舞曲》，既文雅轻盈又热情奔放的《阿尼特拉舞曲》 ，都由于绚丽多彩的配器色调而独具魅力。

　　他的具有卓越艺术成就和民族特点的作品，还有早期创作的《a小调钢琴协奏曲》 (1868)，弦乐曲《两首悲调》 (《创伤》和《晚春》，1881_)、G大调《第二小提琴奏鸣曲》 (1867)、c小调《第三小提琴奏鸣曲》 (1887)、《g小调弦乐四重奏》 (1877～1878)、 《e小调钢琴奏鸣曲》 (1865)。为纪念丹麦民族戏剧奠基者、戏剧家L.H.B.霍尔堡写的《霍尔堡康塔塔》和钢琴组曲《霍尔堡时代》 (1884，曾改编成弦乐组曲);以民歌主题写成的标题幻想性小品《g小调钢琴叙事曲》 (1876)等，这些作品都体现了格里格在钢琴抒情小品里的思想情趣和清新的格调。

　　在法国印象派新世界之声研讨会上，许多音乐研究者们指出了格里格晚期作品的重要意义。1926年2月，墨里斯.拉维尔访问奥斯陆时说：“我所在的法国作曲家阶层已经强烈地被他的音乐所吸引。除了德彪西还没有一个作曲家象格里格这样能引起我的共鸣。”贝拉.巴托克，这位曾试图在民乐基础上革新二十世纪音乐形式的作曲家，也同样感受到了格里格钢琴改编曲的巨大冲击力。 代表作为交响组曲《培尔·金特》。柴可夫斯基、西贝柳斯、德彪西等都曾受到他的影响。他在挪威威望很高，逝世后受到国葬。

　　作曲家格里格的代表作

　　a小调钢琴协奏曲

　　这首乐曲具备格里格音乐的一切魅力，诸如饱含挪威民谣风格的清纯旋律，以及新奇的和弦、轻妙的节奏等。乐曲素材新颖，生气蓬勃而洋溢着青春的活力。作者本身就是钢琴高手，因此充分发挥了这一乐器的性能，形成了十分自由奔放而多彩多姿的风格，在钢琴技巧上则接近李斯特。本曲虽然在曲式方面因循传统，但在许多细微末节处，却有各种新颖的创意，在第三乐章内更可以看到相当自由的发展。全曲的基调属于典型的浪漫性质，充满了北欧大自然中苍郁而森林茂密的群山所孕育出来的清丽脱俗、色泽深浓的“斯堪第纳维亚情调”。

　　◆全曲共分三个乐章：

　　◇第一乐章 中庸的快板，a小调，4/4拍子，奏鸣曲形式。主奏钢琴一开始便活跃地将呈示部的轮廓完整地展现出来(片段1)。接下来的主题清纯而朴实， 富于北欧民谣情调，而且充满了对未来的憧憬之情， 是作者浪漫派艺术风格的完整体现(片段2)，将格里格音乐的个性发挥得淋漓尽致。

　　◇第二乐章慢板，降D大调，3/8拍子，复合三段体。 第一段由装上弱音器的弦乐器柔和地奏出沉静的冥想性主题。第二段由主奏钢琴以精细的华彩弹出优美的快速音群化旋律，后半段则愈加华丽与技巧化(片段3)。不久,乐曲节奏由急速趋于平静，缓慢地逐渐消失。乐曲不间断地进入第三乐章。

　　◇第三乐章 加强的极中庸的快板，a小调，2/4拍子，回旋奏鸣曲形式为基础的自由构想。 主奏钢琴那急切的速度如挪威的民间舞曲般热情、奔放(片段4)，构成了宽广、壮丽的史诗。乐章在热烈欢腾的气氛中结束。

　　培尔·金特

　　格里格应邀为易卜生的诗剧 《培尔·金特》 所写的配乐，完成于1874至1875年间，但他从配乐中选编的两套组曲(各分四段)，却到1888和1891年才先后编出。这两部组曲都是曲作者格里格的代表作品。戏剧《培尔·金特》 虽然不是挪威著名文学家、剧作家易卜生的代表作，但在作者的全部剧作中却占有相当重要的地位。易卜生的诗剧《培尔·金特》大量采用象征和隐喻的手法，塑造了一系列扑朔迷离的梦幻境界和形象，剖析了当时挪威上层社会的极端利己主义，同时又触及了当时世界上的许多重大政治事件。 关于易卜生的这部诗剧， 格里格曾在他《第二组曲》的扉页概括作了这样的说明：“培尔·金特是一个病态地沉溺于幻想的角色，成为权迷心窍和自大狂妄的牺牲品。 年轻时，他就有很多粗野、鲁莽的举动， 经受着命运的多次捉弄。培尔·金特离家出走，在外周游一番之后，回来时已经年老，而回家途中又遇翻船，使他像离家时那样一贫如洗。在这里，他年轻时代的情人，多年来一直忠诚于他的索尔维格来迎接他，他筋疲力尽地把脸贴在索尔维格的膝盖上，终于找到了安息之处。” 尽管第二组曲中的 《索尔维格之歌》确属杰作,但总的说来还是《第一组曲》更为流行。 选入两套组曲的八首乐曲，只按音乐的要求编排，完全不受原剧情节发展的牵制。

　　◆第一组曲分为四段：

　　◇晨景

　　原为诗剧第四幕第五场的前奏曲。主人公远涉重洋，前往美洲去贩运黑奴，往中国贩运偶像，一时成了富商。这时，他来到摩洛哥，一天清晨，在一个山洞前面，他用独白披露自己的内心活动。但这段音乐所描绘的并非是炎热的沙漠，而更像北欧清晨静谧清新的抒情画面。乐曲具有牧歌风格，由单一的田园风味主题加以自由而精心的发展构成(片段1、片段2)。

　　◇奥丝之死

　　母亲奥丝在弥留之际，培尔·金特赶了回来，他为母亲追忆儿时景象，并用幻想的故事陪母亲去赴天堂的盛筵。在全剧中，这是非常动人的一场。格里格的这段配乐悲壮肃穆，可称为一首悲歌或葬礼进行曲。

　　◇安妮特拉

　　选自诗剧第四幕第六场。在沙漠绿洲中，一座阿拉伯酋长的帐篷里，酋长的女儿安妮特拉正用舞蹈对培尔·金特献媚。这段音乐描绘的正是这一场面，但严格地说，它远远超过了作为配乐的作用，因为它直接参与戏剧的内容，成为诗剧中密不可分的组成部分(片段3)。

　　◇妖王宫中

　　原为诗剧第二幕第六场的前奏。主人公在山中与妖王之女调情，并在妖王的威胁之下同妖女结了婚。这一场点出全剧的主题，即人与妖之间的区别，是最具幻想性的第二幕的真正核心(片段4)。

　　◆第二组曲也分四段：

　　◇悲叹

　　原为第二幕之前的幕间曲。 培尔·金特 在乡村的一次婚礼上，拐走了朋友的新娘英格丽德，把她带到山上，玩弄够了又将她遗弃，说他真正爱的是索尔维格。这段音乐以英格丽德为主要形象，表现出一种非常激动和无奈的情绪，堪称为一首奇妙的挪威哀歌。

　　◇舞曲

　　原为第四幕中阿拉伯舞蹈场面的配乐。乐曲带有女声合唱，意欲描绘东方的“异国”情调。

　　◇培尔金特

　　原为第五幕的前奏曲。在第五幕中，主人公的形象已经是一个须发斑白的老人，他站在返回挪威的轮船上衣衫褴褛，神情冷酷。

　　◇索尔维格

　　原为诗剧第四幕第十场配乐。挪威北部森林中的一间茅屋，索尔维格坐在门前，等候培尔·金特的归来，她唱着：“冬去春来，周而复始，总有一天，你会回来。” 编入组曲的这首乐曲，经作者改编为纯器乐曲，去掉了原来的歌唱声部。 乐曲的旋律十分优美，荡漾着哀愁的第一主题(片段5)和洋溢着希望的第二主题(片段6) 形成鲜明的对比，是整部组曲中的名篇，也是格里格最成功的创作之一。

　　挪威舞曲

　　作于1881年，是作者所作的由四首舞曲组成的集成曲中的第二首，原为四手联弹钢琴曲，同年被改编为钢琴独奏曲及管弦乐曲，广为流传(片段1)。 乐曲采用“ABA”三部曲式，A大调，小快板，2/4拍。 主题A具有跳跃般的旋律音型，合着从容而庄重的节奏,形成了轻松而又安详的气氛。 这一主题反复一遍之后,突然加快速度，用较强的音响奏出了对比鲜明的中间部主题B，这一采用升f小调的主题粗犷而富于激情，使乐曲形成了热烈的高潮。B段音乐虽与A段形成了强烈的对比，但其主题素材之间却有着密切的关系。 最后，乐曲再现开头部分(A段)，在平稳而轻松的气氛中结束。

 

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乐器钢琴的简介

　　钢琴(意大利语：pianoforte)是西洋古典音乐中的一种键盘乐器，有“乐器之王”的美称。下面学习啦小编给大家带来乐器钢琴的相关介绍，欢迎阅读!

　　乐器钢琴的起源

　　钢琴是一种键盘乐器，用键拉动琴槌以敲打琴弦。从十八世纪末以来，在欧洲及美国，钢琴一直是最主要的家庭键盘乐器。钢琴发源于欧洲，十八世纪初，意大利人克里斯多佛利(Bartolommeo Cristofori)发明的一种类似现代钢琴的键盘式乐器。至今已有三百多年的历史。

　　从键盘乐器发展的历史来说，现代钢琴是由钢琴的前身——以拨弦发音的大键琴与以撞弦发音的小键琴演进而成的。从十六世纪末开始，大键琴和古钢琴这两种键盘乐器逐渐盛行起来，直到十八世纪末，才被钢琴取而代之。

　　钢琴首次出现于1709年，在当时是一种既复杂又昂贵的乐器，只有皇室和贵族才有机会接触到。一开始，Johann Sebastian Bach(约翰·塞巴斯蒂安·巴赫)等一些非常有声望的音乐家们并不欣赏钢琴的音色。但仅仅过了半个世纪，钢琴就变得越来越受欢迎。当Mozart(莫扎特)、Brahms(布拉姆斯)和Liszt(李斯特)这些极具创造力的音乐家投入钢琴的怀抱之后，热情便瞬时被引爆。在当时那个年代，这些新锐钢琴家就如同“摇滚巨星”一般，他们所带来的巨大影响力可谓给音乐创作锦上添花，为钢琴的发展注入了强大的力量。皇室和贵族纷纷把钢琴这一乐器纳入他们的乐队中，民众可以围坐在钢琴四周，聆听最新创作的优美旋律。工业时代的兴起衍生出一个新的社会阶层——中产阶级，钢琴在这一群体中大为流行。其中三角钢琴是社会地位的象征，通常用在管弦乐团里，而立式钢琴则更受家庭的欢迎。

　　乐器钢琴的社会影响

　　钢琴之所以成为乐器大家族中的“王者”，是人类的精神文明及科技文明的发展所赋于它的，钢琴作为乐器的出现，是人类社会生活的需求，钢琴的发展更从一个侧面反映了人类社会精神生活不断发展的状态。钢琴作为物质基础，为音乐家的创作提供了条件，音乐家创造发展的钢琴文化又促进钢琴结构功能的进一步成熟。由此我们说钢琴是钢琴文化的不可分割的一部分，了解钢琴、认识钢琴，也就成为了一个音乐人认识钢琴文化的必须了。通常人们认为钢琴有近300年历史，即1709年由意大利制琴大师B·克里斯托福里所创制的现代钢琴的前身。在以后的200多年，又不断改进完善，方成为今天我们看到的现代钢琴。然而，钢琴的整个演变过程可以追溯到600多年前，即现代钢琴出现之前，钢琴已存在了300多年，我们称这一阶段的钢琴为古钢琴。现代钢琴的前身只是1709年古钢琴质的发展与飞跃。若没有古钢琴所发展的“量”的积累，也就不会产生1709年古钢琴“质”的飞跃。

　　钢琴的传统市场需求呈现下降趋势，而发展中国家的钢琴消费量不断增加。全球钢琴制造和消费正从欧美日向新兴市场转移，其中，中国已成为全球最大的钢琴生产国和消费国。

　　2012年，中国国有企业仍然是钢琴的主要生产主体，生产钢琴达到17.1万架，约占全国钢琴总产量的45%。

　　随着中国人收入水平的不断提高，钢琴作为重要的文化娱乐消费品越来越受到重视。现今世界钢琴生产主要集中在亚洲和欧洲，欧洲地区为全球高端钢琴生产地，而中国钢琴产量排名世界第一，但超过九成是中低端钢琴2010年世界钢琴总产量约为45万架，其中亚洲钢琴总产量约42.7万架，占世界产量的94.89%，中国钢琴产量约占世界钢琴产量的73.33%。

　　乐器钢琴的演奏技巧

　　成功的音乐作品是作曲家最初的思想动机推动灵感创作，使其作品富有深刻的思想内涵，具有想象力、表现力。通过演奏家十分娴熟的演奏技巧将好的音乐作品传达给观众，其中音乐表现应当由情感来支配，应当是感性与理性的完美结合。一味地炫耀技巧是没有灵魂的音乐，因此两者有机地相容相依才能得到理想的音响效果。因此弹奏钢琴也需要高超的技巧。

　　音阶：音阶24个大小调是比较重要且有用的。很多大型奏鸣曲、乐曲、协奏曲都有很多地方有音阶，因此需要将音阶掌握好。弹音阶要注意的是让所有音发出来的声音都要一样，不能有轻有重，一定要注意手指的控制能力，如果弹音阶的时候还是有的重有的轻，控制不好力度，可能演奏不出令你满意的音色和旋律。

　　琶音：琶音包括24个大小调琶音跟属7减7琶音。这个是建立在音阶之上的东西，主要练习手指之间的扩张和伸缩能力，也是很重要的练习。钢琴曲中琶音部分占很大一部分，各式各样的琶音都会出现，但都是24个大小调属7、减7和弦的琶音变形模式，所以弹好基本琶音是非常有用也是非常必要的。

　　八度：8度的演奏技巧有两种，第1个只用手腕技巧，第2个用手臂和手腕一起来完成。如果弹篇幅很长的8度片段就需要手腕技巧，如果弹最后结尾那一小部分8度就需要手臂的力量，这样才能弹出气势辉煌的效果。如果是两只手一样的8度片段，就需要手腕和手臂的配合使用，如果只用手腕或手臂就很难弹出ff的力度和很好的跳跃。

　　轮指：常用的轮指有3个指的，有4个指的。弹的要有较好的颗粒性，不能有任何模糊和混乱的成分在里面。比如说莫扎特的《土耳其进行曲》的开头部分就需要很连贯的轮指。

　　和弦：和弦方面主要还是练习方法问题。不管是几个音的和弦弹下去都要整齐，不能有前有后，P的和弦演奏要非常轻巧、干净利索， f的和弦要有种金属般的声音，弹下去的音就要沉下去，不能弹下去的和弦给人一种发飘的感觉。

　　大跳：这个说白了就是很机械的动作，尤其是2个8度以上的大跳纯粹是技巧方面的事情，这个一开始慢练是非常重要的，只有慢练才能让肌肉松弛下来，记住八度演奏琶音的位置，而且慢练的时候需要弧度，这样快弹的时候就不至于错音较多。

　　手指独立练习：掌握这个技巧需要对钢琴的弹奏有一定的了解之后。什密特钢琴教程是有一定难度的一本钢琴指法练习，但是弹过之后就会发现原来不可解决的技巧问题都不在是困难的了。李斯特的夜莺就是非常好听的一首小乐曲，但是很多人总也弹不利索，就是手指独立问题没有根本解决。

　　三六度和弦练习：这个是较难的技巧之一，重要是指法跟手指柔韧性，也是一个重要的技巧。对于右手较容易练习，3 、6度音阶还能能弹清楚，速度也没问题，但是对于左手，速度跟清楚只能做到1个，3、6度虽然较难弹，但能坚持练习，会有一定收获。
 

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